Performing The Club

Mosaico Danza Interplay Festival 2026
[English version below]

Questa sera alla Lavanderia a Vapore, nell’ambito di Interplay Festival, tre lavori tracciano un percorso attraverso differenti modalità di presenza, relazione e trasformazione del corpo in scena.

Con “Studi per M”, Stefania Tansini sviluppa una ricerca intima e stratificata sulla memoria fisica e sull’emergere dell’identità. Attraverso una scrittura coreografica densa e sensibile, il corpo si fa archivio vivente, luogo di attraversamento di immagini, emozioni e tensioni che affiorano e si trasformano nel tempo dell’azione.

In “Hit Out”, il collettivo Parini Secondo esplora le dinamiche della competizione, della resistenza e della cooperazione, assumendo il gesto sportivo come materiale coreografico. Il movimento si articola in una trama ritmica che mette in discussione i confini tra performance atletica e pratica performativa, aprendo uno spazio di riflessione sulle forme contemporanee dello stare insieme.

Con “Superstella”, Vittorio Pagani indaga invece i meccanismi della rappresentazione e della costruzione dell’immagine pubblica. Tra ironia, vulnerabilità e desiderio di esposizione, la scena diventa un campo di forze in cui si intrecciano immaginari pop, aspirazioni individuali e possibilità di riscrittura di sé.

Tre prospettive differenti che invitano il pubblico a confrontarsi con il corpo come dispositivo di relazione, immaginazione e cambiamento, confermando la vocazione di Interplay a intercettare le traiettorie più vive della ricerca coreografica contemporanea.

Per informazioni e prenotazioni: https://www.mosaicodanza.it/interplay-2026/
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[English version]

Mosaico Danza Interplay Festival 2026

Tonight at Lavanderia a Vapore, as part of the Interplay Festival, three works trace a path through different modes of presence, relationship, and transformation of the body on stage.

With “Studi per M”, Stefania Tansini develops an intimate and layered exploration of physical memory and the emergence of identity. Through dense and sensitive choreography, the body becomes a living archive, a place for the passage of images, emotions, and tensions that surface and transform over time.

In “Hit Out”, the Parini Secondo collective explores the dynamics of competition, resistance, and cooperation, adopting sporting gestures as choreographic material. The movement unfolds in a rhythmic pattern that questions the boundaries between athletic performance and performative practice, opening a space for reflection on contemporary forms of togetherness.

With “Superstella”, Vittorio Pagani investigates the mechanisms of representation and the construction of public image. Between irony, vulnerability, and a desire for exposure, the stage becomes a force field where pop imagery, individual aspirations, and the possibility of self-reflection intertwine.

Three different perspectives invite the audience to engage with the body as a device for connection, imagination, and change, confirming Interplay's vocation to intercept the most vibrant trajectories of contemporary choreographic research.

For information and reservations: https://www.mosaicodanza.it/interplay-2026/

The Dot, di TUNDRA

“The Dot” è l’installazione a/v del collettivo artistico Tundra, che esplora il confine tra presenza fisica e astrazione digitale, offrendo un’esperienza contemplativa in cui la tecnologia non è semplice supporto, ma linguaggio artistico autonomo e generativo. Questo lavoro nasce da un gesto apparentemente minimale: un punto luminoso sospeso nello spazio. Da questa presenza elementare si sviluppa però una complessa architettura audiovisiva che trasforma la percezione dell’ambiente e del pubblico.

Attraverso una sofisticata programmazione algoritmica di luci e sound design spazializzato, “The Dot” costruisce un ecosistema dinamico in cui luce e suono operano come materiali plastici. Le variazioni luminose non accompagnano semplicemente la componente sonora, ma instaurano con essa una relazione sinestetica, generando una composizione in continua evoluzione. L’installazione si fonda su una rigorosa precisione tecnica: sincronizzazione temporale, controllo digitale e modellazione dello spazio diventano strumenti espressivi al servizio di una riflessione estetica.
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English version]

The Dot, by TUNDRA

“The Dot” is the a/v installation by the art collective Tundra, which explores the boundary between physical presence and digital abstraction, offering a contemplative experience where technology is not simply a support, but an autonomous and generative artistic language. This work was born from a seemingly minimal gesture: a bright spot suspended in space. From this elementary presence, however, a complex audiovisual architecture develops that transforms the perception of the environment and the public.

Through sophisticated algorithmic programming of spatialized lighting and sound design, The Dot builds a dynamic ecosystem in which light and sound operate as plastic materials. Light variations do not simply accompany the sound component, but establish a synesthetic relationship with it, generating an ever-evolving composition. The installation is based on rigorous technical precision: time synchronization, digital control, and spatial modeling become expressive tools at the service of aesthetic reflection.

Darkmatter, di Cherish Menzo
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Darkmatter è una delle opere più importanti della coreografa e performer Cherish Menzo, presentata nel 2022 come seguito ideale del suo precedente lavoro, Jezebel. È una performance di danza contemporanea che mescola hip-hop, fantascienza, afrofuturismo, horror e arti visive per interrogare il modo in cui i corpi neri vengono rappresentati e percepiti nella cultura contemporanea.

La scena si apre con due figure enigmatiche, i volti nascosti da maschere riflettenti. Una cosparge l'altra di un liquido nero, in un'atmosfera che ricorda un rituale o un racconto post-apocalittico. Nel corso dell’azione performativa i corpi sembrano trasformarsi continuamente: diventano creature aliene, mostri, fantasmi, immagini che sfuggono a qualsiasi identificazione immediata.

Uno degli aspetti più interessanti è il modo in cui Menzo traduce in movimento la tecnica musicale del "chopped and screwed", sviluppata nella scena hip hop di Houston attorno a Dj Screw. In questa tecnica la musica viene rallentata e frammentata con tagli e scratch; allo stesso modo, in Darkmatter i gesti, i tempi e le identità vengono rallentati, spezzati e deformati. Il risultato è una sensazione di sospensione, come se il tempo stesso funzionasse diversamente, mentre i corpi dei performer emergono da un paesaggio sonoro denso e stratificato creando un’atmosfera inquietante e ipnotica.
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[English version]

Darkmatter, by Cherish Menzo

Darkmatter is one of choreographer and performer Cherish Menzo's most important works, presented in 2022 as an ideal follow-up to her previous work, Jezebel. It is a contemporary dance performance that blends hip-hop, science fiction, Afrofuturism, horror, and the visual arts to interrogate how Black bodies are represented and perceived in contemporary culture.

The scene opens with two enigmatic figures, the faces hidden by reflective masks. One sprinkles the other with a black liquid, in an atmosphere reminiscent of a post-apocalyptic ritual or tale. Over the course of the performative action the bodies seem to transform continuously: they become alien creatures, monsters, ghosts, images that escape any immediate identification.

One of the most interesting aspects is the way Menzo translates the musical technique of "chopped and screwed" into movement, developed in the Houston hip hop scene around DJ Screw. In this technique, music is slowed down and fragmented with cuts and scratches; similarly, in Darkmatter, gestures, tempos, and identities are slowed down, broken, and deformed. The result is a feeling of suspension, as if time itself worked differently, as the performers' bodies emerge from a dense, layered soundscape creating an eerie, hypnotic atmosphere.

“Shiro”, di Nonotak
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“Shiro”, di Nonotak (duo composto da Noemi Schipfer e Takami Nakamoto), è un’installazione audiovisiva immersiva in cui luce, spazio e suono convergono in una percezione instabile e quasi sospesa. Attraverso una composizione minimale di linee luminose e superfici riflettenti, l’opera costruisce un paesaggio astratto che dissolve i riferimenti architettonici e invita il pubblico a un’esperienza sensoriale coinvolgente. Il titolo — “shiro”, bianco in giapponese — richiama una dimensione di azzeramento visivo e mentale, in cui il vuoto diventa materia percettiva.

Dal punto di vista tecnico, l’installazione si basa su un sistema sincronizzato di videoproiezioni, light mapping e led ad alta intensità controllati tramite software generativi in tempo reale. Le proiezioni geometriche, calibrate sulle superfici dello spazio espositivo, producono variazioni ritmiche di luce e ombra che alterano continuamente la profondità e la percezione volumetrica dell’ambiente. L’interazione tra frequenze sonore, impulsi luminosi e struttura architettonica genera una composizione audiovisiva precisa ma in costante mutazione, cifra distintiva della ricerca di Nonotak, da anni impegnati nell’esplorazione del rapporto tra immagine digitale, installazione e performing art.

Foto credit Tony Trichanh
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[English version]

“Shiro”, by Nonotak

“Shiro”, by Nonotak (duo composed of Noemi Schipfer and Takami Nakamoto), is an immersive audiovisual installation in which light, space and sound converge in an unstable and almost suspended perception. Through a minimal composition of light lines and reflective surfaces, the work constructs an abstract landscape that dissolves architectural references and invites the audience to an engaging sensory experience. The title — “shiro”, white in Japanese — recalls a dimension of visual and mental zeroing, in which emptiness becomes perceptual matter.

Technically, the installation is based on a synchronized system of video projections, light mapping, and high-intensity LEDs controlled via real-time generative software. Geometric projections, calibrated to the surfaces of the exhibition space, produce rhythmic variations in light and shadow that continuously alter the depth and volumetric perception of the environment. The interaction between sound frequencies, light pulses, and architectural structure generates a precise yet constantly changing audiovisual composition, a hallmark of Nonotak's research, which has been engaged for years in exploring the relationship between digital images, installation, and performing art.

Photo credits Tony Trichanh

“Óróapuls / Harmonic Tremor” di Ben Frost e Francesco Fabris
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“Óróapuls / Harmonic Tremor” di Ben Frost e Francesco Fabris si delinea come ambiente sonoro e materico in cui il paesaggio vulcanico della pen*sola islandese di Reykjanes non viene rappresentato, ma reso operante all’interno dello spazio espositivo. L’opera prende forma a partire dalle eruzioni che tra il 2021 e il 2023 hanno interessato l’area, trasformando l’instabilità geologica in una condizione percettiva e fisica condivisa con il pubblico.

Attraverso registrazioni analogiche a spettro completo, dati geofonici e rilevazioni sonore ottenute direttamente dalla lava raffreddata, Frost e Fabris sviluppano una pratica che concepisce il suono non come elemento descrittivo o atmosferico, ma come forza capace di agire concretamente sulla materia. Le frequenze prodotte dall’installazione attraversano il corpo prima ancora di essere pienamente percepite da chi le ascolta, attivando una relazione instabile tra percezione, spazio e presenza fisica.

Gli otto speaker disseminati nell’ambiente assumono una funzione scultorea: riempiti con lava proveniente dai siti eruttivi, reagiscono alla pressione sonora generando spostamenti progressivi del materiale piroclastico. Le particelle laviche fuoriescono lentamente dai coni e si depositano sul pavimento secondo configurazioni mutevoli, determinate esclusivamente dall’interazione tra vibrazione, gravità e durata. Il pavimento diventa così superficie di iscrizione di un processo geologico in continua trasformazione.

La collaborazione tra Frost e Fabris mantiene volutamente aperta la tensione tra mediazione tecnologica e forza elementare, evitando qualsiasi sintesi narrativa o rappresentativa. “Óróapuls / Harmonic Tremor” non interpreta l’attività vulcanica né la traduce in metafora, ma lascia che materia, frequenza e tempo persistano nella loro autonomia, producendo un’esperienza immersiva in cui il suono si manifesta come fenomeno fisico, ambientale e profondamente instabile.
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“Óróapuls / Harmonic Tremor” by Ben Frost and Francesco Fabris

“Óróapuls / Harmonic Tremor” by Ben Frost and Francesco Fabris emerges as a sonic and material environment in which the volcanic landscape of the Icelandic Reykjanes Peninsula is not represented, but made operational within the exhibition space. The work takes shape starting from the eruptions that affected the area between 2021 and 2023, transforming geological instability into a perceptual and physical condition shared with the public.

Through full-spectrum analog recordings, geophonic data, and sound measurements obtained directly from cooled lava, Frost and Fabris develop a practice that conceives sound not as a descriptive or atmospheric element, but as a force capable of concrete action on matter. The frequencies produced by the installation pass through the body before they are even fully perceived by the listener, activating an unstable relationship between perception, space and physical presence.

The eight speakers scattered throughout the environment take on a sculptural function: filled with lava from eruptive sites, they react to sound pressure, generating progressive displacements of the pyroclastic material. Lava particles slowly escape from the cones and settle on the floor in changing configurations, determined solely by the interaction between vibration, gravity, and duration. The floor thus becomes the inscription surface of a geological process in continuous transformation.

The collaboration between Frost and Fabris deliberately keeps open the tension between technological mediation and elemental force, avoiding any narrative or representative synthesis. “Óróapuls / Harmonic Tremor” does not interpret volcanic activity or translate it into metaphor, but lets matter, frequency, and time persist in their autonomy, producing an immersive experience in which sound manifests itself as a physical, environmental, and profoundly unstable phenomenon.

"Klei" by Boukje Schweigman
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"Klei" by Boukje Schweigman, è una performance immersiva e sensoriale che trasforma la materia in esperienza viva. All’interno di una grande struttura sferica, dieci tonnellate di argilla e centinaia di litri d’acqua diventano il cuore pulsante di uno spettacolo che mette in relazione corpo, paesaggio e suono. I performer si muovono in un ambiente instabile e primordiale, lasciandosi guidare dal peso, dalla resistenza e dalla fluidità della creta, in un continuo equilibrio tra abbandono e lotta.

La regista Boukje Schweigman, insieme all’artista visivo Zoro Feigl e al collettivo HIIIT music, costruisce un universo poetico dove il confine tra essere umano e natura sembra dissolversi. La creta non è soltanto scenografia: diventa memoria, forza ancestrale, elemento che avvolge e trasforma. Anche il suono nasce dalla materia stessa, grazie a strumenti ceramici che amplificano l’atmosfera ipnotica dello spettacolo.

“Klei” invita lo spettatore a rallentare, ad ascoltare il corpo e a riflettere sul rapporto con la terra. È una performance che parla di vulnerabilità, origine e connessione, capace di coinvolgere non solo lo sguardo, ma tutti i sensi. Un’esperienza intensa e profondamente fisica, dove il gesto artistico torna alla sua dimensione più essenziale e arcaica.

Foto credits Karin Jonkers
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[English version]

"Klei" by Boukje Schweigman

"Klei" by Boukje Schweigman, is an immersive and sensorial performance that transforms matter into a living experience. Inside a large spherical structure, ten tons of clay and hundreds of liters of water become the beating heart of a show that connects body, landscape, and sound. The performers move in an unstable and primordial environment, guided by the weight, resistance, and fluidity of clay, in a constant balance between abandonment and struggle.

Director Boukje Schweigman, together with visual artist Zoro Feigl and collective HIIIT music, constructs a poetic universe where the boundary between humanity and nature seems to dissolve. Clay is not merely a backdrop: it becomes memory, ancestral strength, an element that envelops and transforms. Even the sound arises from the material itself, thanks to ceramic instruments that amplify the hypnotic atmosphere of the show.

"Klei" invites the spectator to slow down, listen to their body, and reflect on their relationship with the earth. It is a performance that speaks of vulnerability, origin, and connection, capable of engaging not only the gaze but all the senses. An intense and profoundly physical experience, where the artistic gesture returns to its most essential and archaic dimension.

Photo credits Karin Jonkers

The Cloud, di Poliakova
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“The Cloud”, di Elizaveta Poliakova, si configura come un dispositivo performativo sospeso tra presenza fisica e dissoluzione immateriale, dove il corpo diventa superficie di transito per tensioni invisibili, memorie collettive e sistemi di percezione. Attraverso una costruzione spaziale rarefatta e una temporalità dilatata, Poliakova invita lo spettatore a entrare in una condizione di attenzione instabile, in cui gesto, respiro e movimento producono una coreografia minima ma intensamente evocativa.

La nube evocata dal titolo non è soltanto elemento atmosferico o metafora digitale: è piuttosto una forma di accumulazione emotiva e politica, un organismo mutevole che attraversa lo spazio e modifica le relazioni tra i corpi. La performance si sviluppa come un ambiente sensibile, in cui luce, suono e prossimità costruiscono un’esperienza percettiva immersiva e stratificata.

Nel lavoro di Poliakova emerge una riflessione sottile sulla fragilità della presenza contemporanea e sulle modalità con cui abitiamo spazi condivisi sempre più instabili. “The Cloud” non cerca una narrazione lineare, ma apre un campo di possibilità interpretative, lasciando affiorare una dimensione intima e al tempo stesso profondamente collettiva.

Coreografia / Danza / Concetto: Elizaveta Poliakova
Nuvola: Dominic Kiessling
Musica dal vivo: Erin Lang
Luci: Marco Di Nardo
Assistente: Caterina Politi
Supporto drammaturgico: Mel Brinkmann
Occhio esterno: Scott Jennings
Supporto spaziale: TheArtePool .pool · TheaterHaus .berlin · Papillon Dance Studios
Crediti fotografici:
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[English version]

The Cloud, by Elizaveta Poliakova

“The Cloud”, by Elizaveta Poliakova, is configured as a performative device suspended between physical presence and immaterial dissolution, where the body becomes a transit surface for invisible tensions, collective memories and systems of perception. Through a rarefied spatial construction and a dilated temporality, Poliakova invites the viewer to enter a condition of unstable attention, in which gesture, breathing and movement produce a minimal but intensely evocative choreography.

The cloud evoked by the title is not just an atmospheric element or digital metaphor: it is rather a form of emotional and political accumulation, a changing organism that crosses space and modifies the relationships between bodies. Performance develops as a sensitive environment, in which light, sound, and proximity build an immersive and layered perceptual experience.

Poliakova's work reveals a subtle reflection on the fragility of contemporary presence and the ways in which we inhabit increasingly unstable shared spaces. “The Cloud” does not seek a linear narrative, but opens up a field of interpretative possibilities, allowing an intimate and at the same time profoundly collective dimension to emerge.

Choreography / Dance / Concept: Elizaveta Poliakova
Cloud: Dominic Kiessling
Live Music: Erin Lang
Light: Marco Di Nardo
Assistance: Caterina Politi
Dramaturgical Support: Mel Brinkmann
Outside Eye: Scott Jennings
Space Support: TheArtePool .pool · TheaterHaus .berlin · Papillon Dance Studios
Photo credits:

The Fortress, di Dries Verhoeven
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Per la 61ª edizione della La Biennale di Venezia, Dries Verhoeven, in collaborazione con la curatrice Rieke Vos, presenta The Fortress, un intervento performativo che interroga criticamente il significato politico e simbolico dei Giardini della Biennale. L’opera prende avvio dalla tensione tra l’immagine di apertura internazionale incarnata dai padiglioni nazionali e il presente geopolitico segnato da nazionalismi, riarmo e politiche di chiusura.

All’interno del Rietveld Pavilion, storicamente associato agli ideali modernisti di trasparenza, progresso e democrazia, Verhoeven costruisce un dispositivo scenico di progressiva sottrazione. A intervalli regolari, una volta accolto il pubblico, pesanti serrande metalliche scorrono lentamente sulle facciate vetrate dell’edificio, oscurandone gradualmente la luminosità. Il gesto architettonico produce una trasformazione radicale dello spazio: ciò che era permeabile e condiviso diventa opaco, isolato, difensivo.

Nel progressivo affievolirsi della luce, anche i performer si allontanano dagli spettatori, come se l’oscurità stessa ridefinisse le relazioni tra i corpi. The Fortress mette così in scena il collasso di una promessa illuminista, evocando una contemporaneità attraversata da paura, disillusione e pulsioni di auto-conservazione. L’opera trasforma il padiglione in una metafora inquieta dell’Europa contemporanea: una fortezza che, nel tentativo di proteggersi, finisce per chiudersi al mondo e a se stessa.
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[English version]

The Fortress, by Dries Verhoeven

For the 61st edition of the Venice Biennale, Dries Verhoeven, in collaboration with curator Rieke Vos, presents The Fortress, a performance intervention that critically questions the political and symbolic meaning of the Biennale Gardens. The work begins with the tension between the image of international openness embodied by national pavilions and the geopolitical present marked by nationalism, rearmament, and closure policies.

Within the Rietveld Pavilion, historically associated with modernist ideals of transparency, progress, and democracy, Verhoeven constructs a scenic device of progressive subtraction. At regular intervals, once the public is welcomed, heavy metal shutters slowly slide over the glass facades of the building, gradually obscuring its brightness. The architectural gesture produces a radical transformation of space: what was permeable and shared becomes opaque, isolated, defensive.

As the light progressively fades, the performers also distance themselves from the spectators, as if darkness itself redefines the relationships between bodies. The Fortress thus stages the collapse of an Enlightenment promise, evoking a contemporaneity traversed by fear, disillusionment and drives for self-preservation. The work transforms the pavilion into a restless metaphor for contemporary Europe: a fortress that, in an attempt to protect itself, ends up closing itself off to the world and to itself.

Goditi lo spettacolo. Ignora la guerra.
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Nel contesto della 61^ edizione della Biennale di Venezia, la manifestazione delle PussyRiot (collettivo femminista russo) e delle attiviste FEMEN (movimento femminista ucraino) ha inscritto il dissenso nello spazio pubblico come pratica estetica e politica. Attraverso una presenza volutamente perturbante, l’azione ha interrogato la legittimità simbolica del Padiglione Russia in un momento storico segnato dalla guerra in Ucraina e dalle accuse internazionali rivolte al regime di Mosca.

«Gli artisti e i curatori di questo padiglione sono stati nominati dal presidente Putin in persona col compito di propagandare un’immagine della Russia come di un paese democratico e di negare i crimini del regime contro gli ucraini ma anche contro i suoi stessi cittadini», ha dichiarato una giovane attivista durante l’azione.
L’arte può davvero essere neutrale rispetto al capitale che la finanzia o alle scelte politiche attuali?
Quando un progetto culturale smette di essere “rigenerazione” e diventa artwashing?

L’intervento ha evidenziato la tensione irrisolta tra rappresentazione culturale e responsabilità etica, mettendo in discussione l’idea di neutralità istituzionale all’interno dei grandi dispositivi espositivi internazionali. In questo senso, la protesta ha riaffermato il ruolo dell’arte come spazio di frizione critica, memoria e presa di posizione, capace di interrompere la sospensione estetica per riportare al centro l’urgenza politica del presente.
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[English version]

Enjoy the show. Ignore the war.

In the context of the 61st edition of the Venice Biennale, the protest staged by PussyRiot and activists from FEMEN inscribed dissent into public space as both an aesthetic and political practice. Through a deliberately disruptive presence, the action questioned the symbolic legitimacy of the Russian Pavilion at a historical moment marked by the war in Ukraine and by international accusations directed at the Moscow regime.

“The artists and curators of this pavilion were personally appointed by President Putin with the task of propagandizing an image of Russia as a democratic country and denying the crimes of the regime against Ukrainians, but also against its own citizens,” a young activist declared during the action.
Can art truly remain neutral with respect to the capital that funds it or the political choices of the present?
When does a cultural project cease to be “regeneration” and become artwashing?

The intervention highlighted the unresolved tension between cultural representation and ethical responsibility, challenging the idea of institutional neutrality within major international exhibition frameworks. In this sense, the protest reaffirmed the role of art as a space of critical friction, memory, and political positioning — capable of interrupting aesthetic suspension in order to bring the political urgency of the present back to the center.

“DOKU The Illusion” di Lu Yang
[English version below]

In occasione della 61^ Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia, l’Espace Louis Vuitton Venezia presenta DOKU The Illusion, mostra personale dell’artista cinese Lu Yang, a cura di Claire Staebler, visitabile dal 7 maggio al 4 ottobre 2026. L’esposizione si inserisce nel doppio anniversario degli Espaces Louis Vuitton e del programma Hors-les-murs della Fondation Louis Vuitton, confermando il loro impegno nella promozione internazionale dell’arte contemporanea.

Il lavoro di Lu Yang si sviluppa attraverso un linguaggio visivo che attinge a manga, anime e videogiochi, utilizzati come grammatica formale per generare entità ibride che superano i confini dell’identità e della corporeità. Al centro del progetto espositivo si trova DOKU The Illusion, quarto capitolo della serie avviata nel 2019, che segue le peregrinazioni di DOKU, avatar digitale costruito a partire dal volto dell’artista.

L’installazione trasforma lo spazio in un ambiente immersivo, sospeso tra santuario e rifugio futuristico. Un grande schermo LED, disposto come un altare, accoglie il film, mentre sculture e superfici specchianti coinvolgono lo spettatore in una dimensione contemplativa. Tra paesaggi giapponesi e immagini generate dall’intelligenza artificiale, l’opera esplora i temi della reincarnazione digitale, della libertà e della natura illusoria dell’esistenza, intrecciando suggestioni buddhiste e riflessioni sulla realtà contemporanea.
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[English version]

"DOKU The Illusion" by Lu Yang

On occasion of the 61st International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, the Espace Louis Vuitton Venezia presents DOKU The Illusion, a solo exhibition by Chinese artist Lu Yang, curated by Claire Staebler, open from May 7 to October 4, 2026. The exhibition coincides with the double anniversary of the Espaces Louis Vuitton and the Fondation Louis Vuitton's Outside the Walls program, confirming their commitment to the international promotion of contemporary art.

Lu Yang's work develops through a visual language that draws on manga, anime, and video games, which he uses as a formal grammar to generate hybrid entities that transcend the boundaries of identity and corporeality. At the heart of the exhibition project is DOKU The Illusion, the fourth installment in a series launched in 2019, which follows the wanderings of DOKU, a digital avatar constructed from the artist's face.

The installation transforms the space into an immersive environment, suspended between a sanctuary and a futuristic refuge. A large LED screen, arranged like an altar, hosts the film, while sculptures and mirrored surfaces immerse the viewer in a contemplative dimension. Between Japanese landscapes and AI-generated images, the work explores the themes of digital reincarnation, freedom, and the illusory nature of existence, intertwining Buddhist influences with reflections on contemporary reality.