Cinestaff

[Teatro]

, la exitosa comedia de Broadway y Londres, estrenó temporada en el Teatro Marsano

Bajo la dirección de Rodrigo Falla Brousset y la producción general de Makhy Arana, la obra aborda con humor negro y situaciones delirantes temas como la infidelidad, la libertad y los límites en las relaciones de pareja.

Protagonizada por un destacado grupo de talentos nacionales, la historia sigue a una mujer que intenta ocultar una aventura amorosa hasta que inesperadas visitas convierten su secreto en un divertido caos.

La temporada va de miércoles a domingo. Las entradas se encuentran a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro.

[Estreno]

llega a la cartelera nacional este 15 de octubre

La ópera prima de Germán Tejada, inspirada libremente en la obra de Oswaldo Reynoso, sigue a Cara de Ángel, un adolescente que intenta descubrir su identidad y demostrar su hombría en un entorno marcado por la masculinidad violenta. Entre el deseo, el punk, la amistad, el amor y experiencias surrealistas, sus decisiones lo enfrentarán a la traición y marcarán el fin de su inocencia.

El elenco, integrado por una nueva generación de actores peruanos, está conformado por Diego Cruchaga, Grecia Belén Pino, José Miguel Chuman, Joshua Salinas, Josué Kefren Subauste, Fabián Calle, Christian Calderón y Lucía Becerra.

[Noticias]

La cartelera del Centro Cultural PUCP se renueva

La programación, disponible hasta el 29 de setiembre, está dividida en dos secciones: una sección internacional con 9 películas recientes de China, México, España, Estados Unidos, Alemania y Chile que incluye grandes estrenos y títulos galardonados; así como una sección de "Hecho en el Perú" con 5 películas nacionales, entre ficciones y documentales, que llegan a cartelera después de su paso por distintos festivales internacionales.

Las entradas están a la venta en ccpucpencasa.com y en la boletería del centro cultural.

[En cartelera]

Christopher Nolan convierte el poema de Homero en una epopeya monumental. Sin embargo, la verdadera batalla de su protagonista, Odiseo, no ocurre únicamente entre peligros extraordinarios, sino que ocurre dentro de sí mismo: un hombre que ha sobrevivido a la guerra y que descubre que el regreso puede ser más difícil que cualquier combate.

Nolan transforma en un espectáculo audiovisual gigantesco donde los monstruos, los dioses y los mares embravecidos nos recuerdan la capacidad del cine para hacernos sentir pequeños frente a lo desconocido; pero también reinterpreta el poema desde una sensibilidad profundamente contemporánea, privilegiando al hombre traumatizado y vulnerable sobre la ambigüedad del clásico héroe homérico.

Matt Damon construye un Odiseo marcado por el desgaste de la guerra y el peso de sus decisiones. No es solamente un héroe que lucha por su supervivencia, sino un hombre perseguido por la memoria, por el tiempo y por la distancia que existe entre quien fue y quien es ahora.

Al hacer más psicológico y terrenal el universo de “La Odisea”, esta adaptación resulta fascinante porque entiende que el verdadero viaje del protagonista no consiste únicamente en atravesar el Mediterráneo. Consiste en descubrir si todavía es posible volver a casa después de haberse convertido en otra persona y quizá esa sea la verdadera odisea: comprender que el hogar no es simplemente un lugar al que regresamos. Es algo que tenemos que aprender a merecer de nuevo.

Puntaje: 9.5/10

[ | Competencia Ficción]

Fernando Eimbcke narra en un relato íntimo sobre Olga, una mujer que ha convertido su vida en una sucesión de rutinas y silencios. La llegada inesperada de Cristian, un niño que también carga con su propio dolor, altera ese pequeño universo y abre entre ambos un vínculo tan improbable como conmovedor.

Lo que fácilmente podría haber sido un melodrama, el filme se convierte en algo mucho más complejo gracias a la sensibilidad que Eimbcke le imprime. La enfermedad, la precariedad y la pérdida están siempre presentes, pero conviven con el humor, el juego y esos pequeños momentos cotidianos en los que dos personas comienzan, casi sin darse cuenta, a necesitarse.

Teresita Sánchez ofrece una excelente actuación como Olga: contenida y vulnerable sin necesidad de subrayar sus sentimientos. Frente a ella, Bastian Escobar construye un Cristian cuya imaginación y necesidad de jugar se convierten en una forma de enfrentar el dolor.

“Moscas” es una película pequeña en escala, pero enorme en emotividad. Habla de la pérdida, pero también de la posibilidad de volver a relacionarnos. De cómo alguien puede llegar a nuestra vida para transformarla y recordarnos, de una manera particular, que todavía estamos vivos.

Puntaje: 10/10

[ | Competencia Ficción]

Pelu es proyeccionista en un cineclub de Córdoba, pero los recortes presupuestarios terminan dejándolo sin trabajo. Convertido en sereno nocturno, pierde también su casa y decide instalarse clandestinamente dentro del cine. Allí, entre películas, pasillos oscuros y otros personajes que viven en los márgenes, encuentra algo inesperado: una comunidad.

Filmada en un hermoso blanco y negro, es una película profundamente cinéfila, pero el amor por el cine está lejos de ser un ejercicio de nostalgia. Ramiro Sonzini y Ezequiel Salinas entienden la cinefilia como una forma de resistencia. Aquí los filmes de Ozu, Borzage, McCarey y otros clásicos no son simples referencias para los amantes del cine: son refugios, compañía y, sobre todo, una posibilidad de imaginar otras formas de relacionarnos.

Aunque la película aborda cuestiones tan duras como la precarización laboral y el desmantelamiento de la cultura, evita caer en el miserabilismo. Hay humor, ternura y absurdo. Sus personajes no son símbolos políticos, sino personas que intentan sobrevivir, compartir y encontrar un poco de dignidad en medio de la incertidumbre.

Con una fuerte influencia del neorrealismo italiano, “La noche está marchándose ya” posee una convicción profundamente conmovedora: que una sala de cine todavía puede ser un lugar donde sentirse acompañado. Porque quizás el cine no pueda solucionar aquello que está roto; sin embargo, puede ofrecernos un lugar donde mirar juntos la oscuridad. Y mientras alguien siga encendiendo el proyector, la noche todavía no habrá terminado.

Puntaje: 10/10

[ | Competencia Documental]

parte de la búsqueda de Sixto Muñoz, considerado el último sobreviviente del pueblo tinigua, en la Amazonía colombiana. Sin embargo, Guillermo Quintero realiza algo más que solo el documental sobre la búsqueda de un hombre: dirige una película sobre una cultura y una lengua que parecen condenadas a desaparecer.

La mayor virtud del filme está en convertir la ausencia de Sixto en su principal recurso narrativo. Lo conocemos a través de los relatos de quienes lo recuerdan: campesinos, habitantes de la región y personas que construyen, entre anécdotas y leyendas, la imagen de un hombre que poco a poco adquiere dimensiones casi míticas.

Por otra parte, la Amazonía no se ve aquí como un simple paisaje. Sus ríos, caminos y silencios funcionan como un archivo vivo. Quintero filma la naturaleza con serenidad y convierte el territorio en una memoria que parece guardar aquello que los seres humanos están olvidando.

Más que un documental sobre una persona desaparecida, “Relicto” es una obra contemplativa, misteriosa y melancólica que conlleva a una reflexión sobre la memoria, la identidad y la extinción cultural.

Puntaje: 7.5/10

[ | Competencia Ficción]

Ambientada en el México de los años noventa, la historia de se centra en Bruno, un niño de once años que comienza a descubrir sus sentimientos por su mejor amigo al mismo tiempo que su padre recibe un diagnóstico de VIH. Dos acontecimientos que, desde la mirada infantil, aparecen unidos por la misma sensación: la certeza de que el mundo adulto es mucho más frágil de lo que parecía.

Lo más interesante de la ópera prima de Bruno Santamaría Razo es que no intenta reconstruir episodios de su niñez a través del factor nostalgia, sino que mezcla ficción y elementos documentales para armar una sensible propuesta cinematográfica sobre cómo los recuerdos pueden transformar realmente nuestras vidas.

Hay algo especialmente hermoso en la forma en que la película evita el melodrama. El miedo convive con el humor, la enfermedad con la vitalidad y la incertidumbre con el descubrimiento del primer amor. Esas características resultan especialmente poderosas porque la infancia también es así; incluso, cuando el mundo adulto se desmorona, un niño puede seguir jugando, riendo o enamorándose.

“Seis meses en el edificio rosa con azul” termina siendo una obra íntima y por momentos conmovedora que transforma una experiencia personal en una reflexión universal sobre aquello que alguna vez no pudimos comprender.

Puntaje: 10/10

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Ceremonia de premiación del 30° Festival Internacional de Cine de Lima PUCP.

[ | Competencia Ficción]

En su segunda película, Valentina Maurel vuelve a explorar la familia como un territorio de afectos, heridas, deseos y contradicciones. Sin embargo, esta vez pone en el centro a tres mujeres: una madre y sus dos hijas, unidas por el amor y, al mismo tiempo, por una profunda dificultad para comprenderse.

se centra en Elsa, quien regresa a Costa Rica después de varios años en Europa. Amalia, su hermana, vive recluida en una realidad marcada por la espiritualidad y el desconcierto. Mientras que Isabel, la madre, intenta recuperar a la mujer que alguna vez fue, entre poemas eróticos y recuerdos de una vida anterior a la maternidad.

Lejos de narrar un drama convencional, la directora costarricense entiende que las familias no funcionan como un relato clásico: avanzan, retroceden, repiten heridas y aprenden a convivir con aquello que nunca podrán resolver del todo. Su cámara privilegia la cercanía física de los cuerpos, los silencios y las tensiones cotidianas. Además, San José se convierte en un personaje más de la historia: una ciudad caótica, viva y contradictoria que refleja el estado emocional de sus protagonistas.

Marina de Tavira, Daniela Marín Navarro y Mariangel Villegas componen un extraordinario triángulo femenino. Juntas construyen un retrato fragmentado de tres generaciones de mujeres intentando encontrar una distancia posible entre el amor y la dependencia.

Después de “Tengo sueños eléctricos”, Maurel demuestra que sabe mirar la intimidad familiar sin volverla tradicional. Su cine puede ser incómodo y desconcertante, pero nunca indiferente.

Puntaje: 10/10