Andrea Razor

Catapultati nel momento più oscuro e cruciale della carriera del Madman: nel 1983, reduce dalla tragica scomparsa del genio Randy Rhoads, Ozzy Osbourne attinge a piene mani dal cinema horror classico e dall’Heavy Metal britannico più teatrale per dare vita a Bark at the Moon, il disco della rinascita solista che ha ridefinito l’estetica del metal anni Ottanta. L’anima del disco pulsa di una melodia spettrale ma potentissima, guidata dal leggendario e allora sconosciuto chitarrista Jake E. Lee, il quale si caricò sulle spalle l’eredità impossibile di Rhoads inventando riff pazzeschi e l’assolo al fulmicotone della title track Bark at the Moon, un inno alla licantropia nato da una sessione notturna improvvisata che nasconde una curiosità contrattuale amara: Jake E. Lee scrisse gran parte della musica del disco, ma fu costretto a rinunciare ai diritti di firma sotto la pressione del management, vedendo l’intero lavoro accreditato al solo Ozzy. Sotto la produzione pulita, ricca di synth e decisamente d’impatto curata da Ozzy insieme a Max Norman, tracce micidiali come Rock ‘N’ Roll Rebel e la cupa Waiting for Darkness dimostrano un perfetto equilibrio tra lo shock rock e l’hard rock da classifica. Senza la deflagrazione di questo supporto fisico, l’immaginario horror-metal moderno non sarebbe lo stesso, poiché la sua eredità ha spianato la strada alle atmosfere teatrali e ai look di band come i Mötley Crüe dell’epoca, influenzando direttamente giganti futuri del calibro di Alice in Chains e Avenged Sevenfold nel modo di unire riff cupi a melodie vocali incredibilmente contagiose.

Nel 1984, Rob Halford, Glenn Tipton, K.K. Downing, Ian Hill e Dave Holland presero le radici del classico Hard Rock anni ‘70 dei Deep Purple, miscelandole con la spinta progressiva della NWOBHM e l’estetica di cuoio e borchie che loro stessi avevano sdoganato, per dare vita a Defenders of the Faith dei Judas Priest, il manifesto definitivo che ha blindato l’Heavy Metal prima dell’esplosione globale del thrash. L’anima del disco pulsa di una fierezza indomita, guidata da un concept grafico e lirico dominato dal “Metallian”, la creatura corazzata in copertina che simboleggia la difesa strenua di uno stile di vita e di un genere musicale contro tutto e tutti. Sotto il laser di questo supporto fisico si nascondono tracce monumentali come l’apertura al fulmicotone di Freewheel Burning e la cadenzata, minacciosa Love Bites, ma la vera curiosità d’epoca spetta a Eat Me Alive: il brano, con il suo testo esplicito ed esasperato, finì dritto al numero 3 della famigerata lista “Filthy Fifteen” del PMRC di Tipper Gore, l’organizzazione di censura americana che proprio a causa di canzoni come questa impose i bollini “Parental Advisory”. La produzione nitida, chirurgica e d’acciaio firmata da Tom Allom, unita al leggendario duetto di chitarre gemelle di Tipton e Downing e agli acuti impossibili del “Metal God” Rob Halford, ha creato uno standard qualitativo inarrivabile. Senza l’eredità gloriosa impressa su questo CD, la storia della musica pesante sarebbe monca, poiché la sua precisione strutturale e il suo approccio epico hanno plasmato e ispirato l’intero movimento Power Metal europeo, dai Blind Guardian agli Helloween, fino ad arrivare alle ritmiche serrate di band moderne come i Primal Fear, dimostrando che la fede nel vero metallo non era una moda passeggera, ma una fortezza immortale da difendere a ogni costo.

Il viaggio attraverso questi sette pilastri degli Iron Maiden inizia con il ritorno trionfale di Brave New World, il CD che nel 2000 ha segnato la rinascita della line-up a tre chitarre influenzando il metal moderno con le sue strutture progressive, per poi passare alle atmosfere gotiche di Fear Of The Dark, un disco figlio dell’hard rock anni ‘70 che ha regalato al mondo la title track più iconica delle arene moderne, seguito dal ritorno alle origini più sporche e dirette di No Prayer for the Dying, nato dalla volontà della band di ritrovare quell’energia grezza dei club londinesi. Salendo sul podio della storia incontriamo la perfezione ritmica di Piece Of Mind, influenzato dalla letteratura fantasy e cinematografica, che nasconde nella traccia Still Life un messaggio registrato al contrario per deridere chi li accusava di satanismo, seguito dal concept filosofico di Seventh Son of a Seventh Son, dove l’introduzione dei sintetizzatori ha aperto le porte al metal sinfonico ispirando band come i Nightwish e i Dream Theater. Il climax arriva con The Number of the Beast, il capolavoro che ha fuso l’epica dei Black Sabbath con la velocità della NWOBHM, portando Bruce Dickinson a sfidare le leggi della fisica vocale in tracce come Hallowed Be Thy Name, una composizione così perfetta da essere considerata il manuale d’istruzioni per tutto il power metal a ve**re, per chiudersi infine con il ringhio punk di Killers, l’ultimo lascito di Paul Di’Anno dove il basso galoppante di Steve Harris ha definito uno stile che avrebbe influenzato persino i Metallica e l’intera scena thrash della Bay Area. Possedere questi CD significa stringere tra le mani l’evoluzione di un genere che, partendo dai piccoli palchi del Marquee Club, ha conquistato il pianeta trasformando ogni riff in un mito immortale che ancora oggi detta legge.

When the children cry let them know we tried. 🪶