Blue Sound Cave

https://youtu.be/2PEqcN1tRiQ?si=muJKomR0cF_EuQc0

Patch Notes: TM404 Swedish producer Andreas Tilliander started out as one of the ’00s glitch scene’s most notable artists, but for the past decade he has created dub techno-ins...

Quando Brian Eno pronunciò questa frase nel 1979, durante la conferenza “The Studio as a Compositional Tool” a New Music New York, non stava filosofeggiando🎙️: stava definendo il concetto stesso di musica registrata.

Eno parte da un’osservazione semplice: per secoli la musica è stata un evento effimero ⏳. Si ascoltava, si viveva, e poi spariva. Nessuna registrazione, nessuna traccia fisica: solo memoria. Con l’arrivo del nastro magnetico, la musica smette di essere un flusso e diventa un oggetto, un qualcosa che può essere spostato, manipolato, compresso, filtrato, riascoltato.

È in questo passaggio che nasce una nuova figura: il compositore di studio 🎛️. Non più soltanto chi scrive note su carta, ma chi costruisce strutture sonore attraverso il suono stesso. Per Eno, lo studio non è un luogo tecnico ma un laboratorio creativo, un’estensione della mente del musicista. Il microfono diventa pennello, il nastro una tela, il fader un gesto compositivo.

La sua tesi è radicale: la musica registrata non documenta un’esecuzione, è l’esecuzione. Ogni decisione di montaggio, ogni riverbero, ogni equalizzazione è parte del linguaggio. «Non si tratta più di catturare qualcosa di già esistente - spiega - ma di creare qualcosa che non esisterebbe senza lo studio».

Oggi, con laptop e plugin, quell’idea sembra scontata 💻. Ma negli anni ’70 era una rivoluzione copernicana: trasformare la registrazione da semplice “traccia” a luogo di composizione significava cambiare il rapporto tra autore, interprete e suono. Persino il concetto di “performance” veniva ribaltato: l’improvvisazione poteva avvenire davanti a un registratore, non a un pubblico.

Eppure, a più di quarant’anni di distanza, quella frase di Eno resta scomoda e attuale. Quanti musicisti usano davvero lo studio come ambiente creativo e non come una vetrina hi-tech per documentare ciò che già sanno fare? Quanti fonici si percepiscono come coautori e non semplici gestori di segnali elettrici?

Forse la vera domanda è un’altra 🎧: quando premi “rec”, stai ancora registrando il tempo, o stai finalmente costruendo lo spazio della tua mjusica? ⚗️

https://youtu.be/4yYl3-XaUrs?si=76ZmEZYz_jLZM_aq

Matthias Puech — Imperceptible Life (Live 100ECS, excerpts) Excerpts of "Imperceptible Life", a shape-shifting piece played live at 100ECS in Paris on July 3 2018, invited by Hylé Tapes. It was the last date of a smal...

https://youtu.be/K2TbGEI-hwY?si=iVMysHh0PR5C1ate

KORG berlin - Searching for phase8 During SuperBooth 2025, Gabe visited the KORG berlin office, where he had the opportunity to test the phase8 acoustic synthesizer. There, he tested the phase...

NEW PUBLICATION: COMING IN NOVEMBER

The Museum of Portable Sound's A Brief History of Sound Recording: Fully Incomplete and Highly Biased

The Gallery Guide to accompany our newly refurbished History of Sound Recording gallery is getting its own standalone book, because it's not as brief as we thought it would be!

The book comes packed with object labels, waveforms & illustrations for 36 sounds that take visitors from the dawn of sound recording in 1860 Paris all the way to the year 2000 and the final new physical audio format ever invented.

Along the way, you get an exhaustive timeline of sound recording history, full colour photos of dozens of items from our Physical Objects Collection, 30+ Listening Close-Ups – short essays that zero in on important concepts, a Glossary of more than 120 sound recording-related terms, some of our museum's Memes of Distinction, and much more!

Ten years in the making, this is sound from a museological, rather than musical, perspective: a history of the world of audio recording in just over 33⅓ sound recordings!

More info as we get closer to publication – available exclusively from Museum of Portable Sound Press!

The early days of music software were wild, experimental, and often unstable, but that chaos produced some of the most groundbreaking tools ever made. Programs like Spear and MetaSynth pushed sound design into new territory, only to fade away as operating systems evolved. Now, a new wave of musicians has unearthed a trove of long-forgotten plugins and apps in a quest to explore the abundant creative possibilities of vintage software.

At the heart of this revival are communities like the Obsolete Music Software Facebook group and resources such as .DSP/archive, which track down, restore, and share obscure and abandoned programs. What began as a small niche has grown into tens of thousands of users trading stories, tips, and files. Rescued from obscurity, these tools deliver unique sounds and distinctive workflows that offer a refreshing alternative to today’s polished DAWs.

Some artists, like My Panda Shall Fly, are taking this even further by performing live with vintage software, projecting their interfaces onstage as part of the experience. It’s not without challenges - compatibility issues mean hunting for old hardware or grappling with emulators - but that friction is part of the appeal. In an era of streamlined, paint-by-numbers production, these clunky, characterful tools are carving out a space of their own, proving that “obsolete” is the very last word to describe them.