Curatoria

METIDOS DE LLENO EN LA II ART WEEK DE LA ESCUELA UNIVERSITARIA DE BELLAS ARTES - ADEMA!!

ESTA TARDE A LAS 19:30h. OS ESPERAMOS EN LA FUNDACIÓN BARCELÓ DE PALMA PARA INAUGURAR "AMALGAMA"

"Amalgama" es un proyecto expositivo de los alumnos del Grado de Bellas Artes junto a los investigadores, docentes y artistas invitados al programa internacional de residencias e intercambio de la Escuela Universitaria ADEMA de Palma.

Con la participación de Stella Álvarez Gil, Clàudia Antonio Mas, Neal Beggs, Laura Bibiloni, Eimer Birkbeck, Alba Bover, Daniela Cabezuelo, Paula Cheillada, David-Michael Clarke, Elena Covas, Maxcence Crossonneau & Raymond Engramer, Margarita de Oleza, Marc Font, Yaiza García, Óscar González Rivas, Eduardo Hodgson, Taylor Hokanson, Pablo Lavers, Clovis Maillet, Andrea Molina, Ian Monroe, Rebeca Morey, Frances Norton, Doris Obmayr, Celia Palacios, Concepción Pérez Yebras, Paula Pérez Muntaner, Martina Pinosa, Prado, Valvanuz Ruiz Porres, Cecilia Sànchez, Bernat Seguí, Margalida Serra, Dan Shipsides, Ana Mariya Stoyanova, Joel Terrassa y Javier Yin Chen

Una propuesta al cuidado del profesor Fernando Gómezdelacuesta.

"Amalgama" es una muestra heterogénea que nace con el objetivo de dar visibilidad a algunos de los trabajos que los alumnos y alumnas de primer año del Grado de Bellas Artes de la Escuela Universitaria ADEMA han realizado durante el presente curso.

Es esa voluntad de enseñar aquello que se está produciendo en el ámbito de la formación e investigación que promueven estos estudios, lo que nos ha animado a levantar el velo que oculta la labor que se realiza en la intimidad de los talleres de nuestra escuela, para mostrar unos trabajos que actúan como genuinas cajas de resonancia de todos esos estímulos e ideas que convergen, no sólo entre los propios estudiantes y docentes, sino también entre aquellos invitados que el incipiente proyecto de residencias de creación e investigación de ADEMA empieza a acoger.

"Amalgama" manifiesta toda esa concentración de diferentes fuerzas, simbióticas, antagónicas, referenciales, que se complementan, se contradicen y se retroalimentan para provocar esta miscelánea coral que, como indican las diferentes definiciones de la palabra que le da título, no sólo es una mezcla de elementos de distinta naturaleza, sino también una masa reparadora que se encarga de completar y sanar las respectivas carencias, que se ocupa de dotar de sentido por contacto, por contagio, por colisión, a este conjunto de obras que ahora, en la Fundación Barceló de Palma, toman la forma de exposición.

Y EL SÁBADO DÍA 10 , A LAS 18h., OS ESPERAMOS EN C/ SANT JAUME PARA LLEVAR A CABO LAS PERFORMANCES DE FOOD OF ART Y ANDTHE. LUEGO, FIN DE FIESTA EN LA NAVE DE ADEMA!

Con la participación de Food of War, Andthe, Asian Time, Yuying Huang, Raymond Engramer & Maxence Crossoneau, Hannah Imhoff, Mika Kosowich, Yichun Yao y un Open Studio de los alumnos de ADEMA.

*Todo ello dentro del programa del evento Art Palma Summer de Art Palma Contemporani. Gracias por la invitación!

ALLÍ NOS VEMOS!

+info:

Diario de Mallorca (Montse Terrassa):
https://www.diariodemallorca.es/cultura/2023/06/02/escuela-universitaria-adema-fundacion-barcelo-88230094.html

https://semanainternacional.ademaescuelauniversitaria.com/art-week/

https://www.ademaescuelauniversitaria.com/adema-y-la-fundacion-barcelo-acogeran-la-ii-art-week-con-presencia-de-expertos-de-universidades-de-europa-y-ee-uu-una-exposicion-amalgama-y-el-festival-internacional-de-performance/

Seguimos repasando lo que ha sido este Cool Days Festival con la propuesta "Paraula de poble" de Avelino Sala realizada en colaboración con el colectivo Glosadors Per_Versos de Artà. Un proyecto comisariado por Fernando Gómezdelacuesta

Con la participación de Marina Forteza, Kuka Kukapatxa Ginard Portell, Cati Llaneras Esteva-Pusseta, Toni CL, Maria Cassellas Gelabert Xoroia, Miquel Ginard Peix, Miquell, Maria Morey, Maria Àngela Danús Femenias, Toni Ferriol y Maria Rosa Cantó Espot).

Avelino Sala presenta una acción poético-política en colaboración con un equipo de glosadores y glosadoras del pueblo de Artà. La afilada ironía de la glosa, el sentido del humor descarnado, la capacidad de improvisación y la voluntad de situar el punto crítico sobre cualquier tema, desde cuestiones locales a preocupaciones globales, es leída en clave participativa, posicionada e interpeladora por este conocido artista asturiano.

Si queréis leer el artículo que sobre este festival ha escrito Gori Vicens en DP Magazine (gracias Gori!):
https://dpmagazine.es/6336/
_______________

Avelino Sala
“Paraula de poble”

Acció + instal·lació + performance
Comissari: Fernando Gómez de la Cuesta

Amb la participació de Glosadors Per-versos (Marina Forteza, Kuka, Cati Llaneras Pusseta, Toni CL, Maria Cassellas Xoroia, Miquel Ginard Peix, Miquell, Maria Morey, Maria Àngela Danús, Toni Ferriol i M. Rosa Cantó).

Avelino Sala presenta una acció poètica-política en col·laboració amb un equip de glosadores i glosadors del poble d'Artà. L'esmolada ironia de la glosa, el sentit de l'humor descarnat, la capacitat d'improvisació i la voluntat de situar el punt crític sobre qualsevol tema, des de qüestions locals a preocupacions globals, és llegida en clau participativa, posicionada i interpel·ladora per aquest conegut artista asturià.

Gràcies Manolo Galán Massanet, Toni Bonet Company, Joan Matamales Morei i a la resta de l'equip de l'Ajuntament d'Artà per fer-ho possible 🙏🏻💪🏻💪🏻👏🏻👏🏻🔥❤️.

Ya tenemos con nosotros el catálogo de "Fairy Tales" la propuesta expositiva de David Pher para la Galería Marimón de Palma que cuenta con un texto introductorio de Fernando Gómezdelacuesta. Aquí os dejamos algunas imágenes de la publicación y de la exposición. Tenéis hasta el 30 de junio para visitarla 💪

blog:
http://gomezdelacuesta.blogspot.com/2023/05/david-pher-fairy-tales-galeria-marimon.html

FAIRY TALES

Fernando Gómez de la Cuesta

"La pintura es como una fusión, una fusión de ideas, una fusión de sentimientos, una fusión proyectada en la atmósfera".
Cy Twombly

La poderosa irrupción del expresionismo abstracto americano fue la encargada de deshacer, si es que todavía quedaba alguno, los últimos límites formales y conceptuales sostenidos por la extensa tradición pictórica previa a las vanguardias. Aquella vorágine creativa de mediados del siglo XX consolidó una libertad que reivindicaba y amplificaba, sin posibilidad de retroceso, los valores propios de la pintura: su desvinculación con la representación de la realidad, el desafecto por lo narrativo, el interés protagonista del gesto, del trazo, del color y sus interacciones, la composición, la textura, la abstracción, la grafía, el temperamento, la pulsión, la inspiración y la emoción, se asentaron como los elementos esenciales, intrínsecos e inalienables, que concedieron la definitiva carta de libertad a la pintura.

Una pintura autónoma y emancipada que, en el contexto de aquellos Estados Unidos de posguerra, recurrió a la alta intensidad emocional y estética de los colour fields o a la fuerza vigorosa y la desmesura gestual del action painting, para exacerbar nuestro entendimiento y nuestra sensibilidad desde ese potente estímulo que no evitaba ciertos excesos en las formas, en los contenidos y en los afectos. En medio de esa grandilocuencia inconmensurable, en ocasiones referida a la pasión y en otras a lo espectacular, aparece la figura de Cy Twombly, un artista que no renunció a muchas de las características que definen el expresionismo abstracto, pero que optó por un camino más contenido donde el gesto se convierte en un grafiti mínimo, en un pequeño símbolo caligráfico, en un garabato intuitivo y maravilloso que llena de significado y de belleza su pintura.

Alentado también por esa forma simplificada y sígnica de la abstracción, David Pher nos ofrece, en esta exposición para la Galería Marimón de Palma, unos expresivos espacios pictóricos sobre cuya superficie parece grabarse un dibujo performático, gestual, que conecta con el grafiti más espontáneo, con la escritura callejera, pero también con la magia de lo rupestre, de lo tribal, de lo primitivo y con algunos símbolos eróticos y corporales que incorporan una tensión sensual a la composición. Su caligrafía, casi siempre ilegible, se convierte en un léxico imaginado y atávico, una escritura de marcas, señales, letras, signos y trazos, que son distorsionados por una serie de borraduras y tachones de color que son esparcidos sobre el plano de la obra en un proceso de movimiento constante.

La pintura de David Pher no se asienta sobre un virtuosismo técnico o una composición exquisita, sino más bien a partir de una talentosa aplicación de criterios personales no decodificados que le indican dónde actuar, en qué dirección hacerlo y cuándo debe parar, de tal forma que, en el aparente caos acumulado de sus obras, se define una creación original que mantiene un equilibrio tan intuitivo como racional, tan emocional como intelectual, tan inspirado como meditado. Una pintura bastarda ubicada, de manera inequívoca, en el pulso de su tiempo.

ESTE JUEVES 1 DE JUNIO DE 16 A 18h. en la Casa Museu de Castellarnau comenzamos el ciclo de acciones "El que queda després (rastre, senyal, residu)" para Mèdol - Centre d'Arts Contemporànies de Tarragona.

Una propuesta experimental en espacios no convencionales, al cuidado de Fernando Gómezdelacuesta, que cuenta con la participación de Susana Solano, Daniel G. Andújar, Fernando Sanchez Castillo, Laia Estruch Mata, Núria Güell y Santiago Sierra.

"Lo que queda después" no es una exposición colectiva, tampoco una invitación convencional para que los artistas muestren alguno de sus proyectos en un espacio al uso. "Lo que queda después" es una investigación que analiza el rastro, la marca, la señal, el residuo que genera una pieza tras de sí, todo aquello que se produce desde el preciso instante en el que la obra se hace pública. "Lo que queda después" es un experimento sobre creación contemporánea, una exploración que indaga sobre lo que ocurre cuando una idea toma su forma, una búsqueda que analiza lo que sucede a partir del momento en que la obra de arte tiene lugar.

Concebido como un ciclo de acciones independientes, los artistas participantes propondrán, durante los próximos seis meses, seis proyectos inusuales, puntuales, en espacios poco convencionales. Unas propuestas que reflexionan de manera crítica, política y poética sobre aquellas cuestiones objeto de su investigación, mientras sacuden las expectativas y los prejuicios que el espectador pueda tener sobre la creación contemporánea. Las intervenciones que dan forma a "Lo que queda después" pretenden la recepción, el posicionamiento y la acción por parte de un publico que aparece ubicado en lugares no ortodoxos y sujeto a protocolos distintos a los acostumbrados.

"Lo que queda después" es una manera de subvertir los procesos usuales para mostrar un proyecto artístico que investiga sobre todo aquello que ocurre después de que la pieza se produzca. Un análisis que, posteriormente, tomará la forma de una exposición y una publicación que recogerán lo que queda después de que el arte suceda: el rastro, la marca, la señal, el residuo.

ACCIÓN 1
La primera acción de este ciclo correrá a cargo de Susana Solano y llevará por título "Reus" (jueves 1 de junio de 16 a 18h. Casa Museu de Castellarnau, Tarragona).

+info:
https://medol.cat/activitats/el-que-queda-despres-susana-solano/

Decía Tolstoi que el arte es la forma a través de la cual una persona entrega sentimientos a otros individuos para que se infecten de ellos y los experimenten. Susana Solano propone “contaminar” al espectador a base de alterar el espacio museal desde la emoción personal que le provoca una de sus salas. Un uso sentimental de un contexto expositivo muy determinado, estático y preestablecido, que la artista convierte en un lugar para la memoria propia, para la nostalgia, para el reencuentro con el recuerdo y para su (re)conexión con lo colectivo. A partir de la evocación de una ausencia y de la permanente pulsión creativa de la artista, que en esta ocasión toma la forma de una breve acción diseñada por ella, Solano transforma la sala del museo en un espacio cargado de resonancias, en un entorno de tiempos variables, lúdico y sensible, donde se subvierten los roles y las expectativas. Reus es un gesto sutil, emocionante y emocionado, aplicado sobre un ámbito expositivo que, en su cotidianeidad, suele recurrir a conocimientos y experiencias más objetivos y asépticos, menos personales y “contaminantes”. Susana Solano ya señalaba en 1995 que una de las finalidades de la escultura podía ser recuperar el significado de un lugar y de un tiempo para proyectarlo hacia otro lugar y otro tiempo. La intención de esta propuesta es crear un entramado, una interrelación de un espacio doble que fusione el pasado con el presente a través de reflejos -la fotografía y el espejo-, de silencios -la memoria- y de acción -la actividad provocada, el juego-. Una transposición de momentos que anotan otros tiempos y que sugieren otras dinámicas de reflexión desde las propias entrañas del museo.

Por causas ajenas a la organización sentimos mucho tener que anunciar la suspensión, sin nueva fecha, de la performance que Isidoro Valcárcel Medina ha concebido especialmente para el pueblo de Artà y su Cool Days Festival.

Esperamos poder daros nuevas y buenas noticias pronto y volver a programar su performance lo antes posible.

Sentimos las molestias que esta situación os haya podido ocasionar.

+info:
https://www.cooldaysfestival.com/