Del Infinito

[Obra de la semana]
Clorindo Testa
Junín entre charcas y Lavalle.
Acrílico sobre tela.
120 x 120 cm.
Año 2006.
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Clorindo Testa (1923–2013) fue una figura clave de la arquitectura y el arte argentino. Referente del brutalismo en América Latina, diseñó obras emblemáticas como el Banco de Londres y la Biblioteca Nacional, mientras desarrolló en paralelo una destacada producción artística ligada a la abstracción y la experimentación visual. Su obra integra importantes colecciones y museos internacionales.

[Obra de la semana]
Manuel Espinosa
Agersav.
Óleo sobre tela.
100 x 100 cm. Año 1972.
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Manuel Espinosa (Buenos Aires, 1912–2006) fue una figura clave de la abstracción geométrica argentina y miembro fundador de la Asociación Arte Concreto-Invención. Tras un breve período surrealista, orientó su práctica hacia un lenguaje basado en la geometría, el color y el movimiento, participando activamente de las históricas exposiciones concretas de 1946 y suscribiendo el Manifiesto Invencionista.

A lo largo de su trayectoria exhibió en importantes instituciones nacionales e internacionales, como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Instituto Torcuato Di Tella y el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Entre sus retrospectivas más destacadas se encuentran las realizadas en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén y el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

Los invitamos al cierre de Renart&Landini, la exposición de Emilio Renart y Ginevra Landini curada por Javier Villa, que propone un diálogo entre ambos artistas a partir de la abstracción como un territorio donde cuerpo, materia y cosmos se entrelazan, conectando lo microscópico con lo universal.

Para celebrar este último encuentro de la muestra, los esperamos en la galería para compartir una tarde junto a las obras, conversar y brindar por el cierre de esta exposición.

Jueves 14 de mayo
18 a 20 hs
Av. Presidente Quintana

Staff del Infinito

Hoy celebramos el nacimiento de Margarita Paksa, una artista que transformó la manera de pensar el arte contemporáneo en Argentina.
Desde los años sesenta, su obra abrió caminos nuevos en el encuentro entre arte, tecnología, lenguaje y política, con una mirada crítica, sensible y adelantada a su tiempo. Su curiosidad constante y su forma de experimentar hicieron de su práctica una referencia clave para el arte conceptual en América Latina.

Desde Del Infinito recordamos hoy su enorme legado y celebramos la vigencia de su obra, que continúa inspirando a nuevas generaciones de artistas.


.paksa

[Obra de la semana]
Alberto Heredia
Sin título.
Collage, técnica mixta sobre papel.
Firmado al frente.
25,5 x 19 cm.
1967.

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Alberto Heredia (1924–2000) fue una de las figuras más singulares de la escultura argentina del siglo XX. Su obra exploró la condición humana, el cuerpo, la violencia y las tensiones sociales a través de materiales cotidianos, objetos encontrados y formas cargadas de dramatismo.

Tras un breve acercamiento a la abstracción, desarrolló un lenguaje profundamente personal vinculado al existencialismo y al informalismo. Entre sus series más emblemáticas se encuentran Las lenguas, Los amordazamientos y Los embalajes, donde el cuerpo aparece fragmentado, silenciado y transformado en metáfora política y poética.

A lo largo de su trayectoria vivió y trabajó entre Buenos Aires y Europa, vinculándose con artistas como Alberto Greco, Antonio Saura y Eduardo Chillida. Hoy su producción es considerada fundamental dentro del arte contemporáneo argentino.

[Obra de la semana]
Osvaldo Lamborghini
Sin título.
29 x 20 cm.
Página de revista intervenida con témperas, microfibra y anotaciones a lápiz.
Anverso y reverso.
Año c.1984.

Registro IIAC No. 23-1-2-087.

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Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires, 1940–Barcelona, 1985) fue un autor central y de culto de la literatura argentina contemporánea. Hermano menor de Leónidas Lamborghini, inició su escritura tras separarse en 1967 y vivir en hoteles del centro porteño, donde redactó El fiord (1969), publicado de forma clandestina.
A lo largo de su vida editó solo tres libros breves, difundidos en circuitos alternativos. Su obra aborda el peronismo, la violencia, la ley, la sexualidad y la política, con una prosa experimental que él definía como “prosa cortada”.
En 1976 produjo la mayor parte de su obra en un período de intensa actividad creativa, desarrollando el “tallercito”, donde combinó escritura, dibujo y objetos en proyectos como Teatro Proletario de Cámara.

[Obra de la semana]
Acervo de la galería

Stern Grete
Sueño no26: El ojo eterno.
Fotomontaje.
24,2 x 28,2 cm.

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Grete Stern (1904–1999) fue una fotógrafa y diseñadora formada en la Bauhaus que se radicó en Argentina en 1935. Su obra combina vanguardia y crítica social, especialmente en la serie Sueños, donde utilizó el fotomontaje para cuestionar los roles femeninos. También desarrolló fotografía documental, retratos y registros de comunidades indígenas, consolidándose como una figura clave de la fotografía moderna en el país.

Esta obra pertenece a la serie de los sueños, donde la artista componía fotomontajes encargados por la revista Idilio. A partir de las cartas que enviaban mujeres lectoras, Stern ilustraba estos sueños, que eran interpretados por los textos del sociólogo Gino Germani. Se publicaron cerca de 150 trabajos, durante 3 años. El primer año, la artista fotografió la mayoría de los fotomontajes antes de entregarlos, luego fue dejando esta costumbre y es por eso que hoy se conservan solo 46 negativos.

Las imágenes que adaptaba Grete Stern, destacaban en su aspecto conceptual, críticas y denuncias a ideales femeninos, colmadas de símbolos de opresión y liberación, demostrando su opinión e ideales sobre la problemática de género. Mediante una estética surrealista combinada con una cuota de ironía y sarcasmo.

[Biografía de artista]
Archivo Renart

Emilio Renart (Mendoza, 1925 – Buenos Aires, 1991) fue un artista y docente que hizo de la creatividad el núcleo de su obra. Formado en las escuelas Prilidiano Pueyrredón y Ernesto de la Cárcova, desarrolló el “integralismo”: una práctica que cruza lenguajes y expande su “caligrafía personal”. A lo largo de su trayectoria combinó la producción artística con la enseñanza y la investigación teórica, abordando la creatividad como un proceso en constante evolución que excede los límites disciplinarios. En 1987 publicó Creatividad, síntesis de sus estudios y experiencias en torno al acto creador.

Entre 1962 y 1967 realizó la serie Integralismo Bio-Cosmos, donde articuló arte y ciencia para pensar la vida como energía en transformación, incorporando materiales como resina poliéster e iluminación.

La muestra actual, Renart&Landini, retoma estas búsquedas, poniendo en diálogo su investigación sobre la forma, la materia y la percepción con nuevas lecturas contemporáneas, y recuperando su idea de una obra en constante mutación.

[Obra de la semana]

Federico Peralta Ramos.
Sin titulo.
Grafito rojo sobre papel.
33 x 29 cm.

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Federico Manuel Peralta Ramos (1939-1992)
Figura clave del arte argentino, convirtió su vida en una obra. Autodidacta, irreverente y profundamente ligado a Buenos Aires, exploró la pintura, la escritura y la performance desde el humor y la provocación, desafiando siempre las reglas tradicionales del arte con una mirada tan crítica como lúdica.