Imaginarte, espacio de educación y creatividad

Imaginarte, espacio de educación y creatividad

"Pensamos que con un pincel en la mano un niño a dibujar, y es a afirmarse a lo que aprende, aprende a ser" Arno Stern

SIMETRÍAS

Los pequeños de imaginARTE probando el poder que tiene la simetría para transformar formas y grafismos.

CIRCUITOS

el espacio vacío de una caja de cartón se llena de posibilidades para la imaginación. Lo han hecho los alumnos pequeños de imaginARTE (de 5 a 11 años)

antes del cine

ANTES DEL CINE
El conocido zootropo y su antecesor, el menos popular fenakitoscopio, son ingenios de animación de dibujos anteriores al cinematógrafo. Los alumnnos mayores de imaginARTE (desde 12 años) han estado experimentando con ellos.
Es una lástima no haber podido grabar los vídeos con más calidad. Los dos inventos se basan en la interrupción de la visión con una superficie opaca, y eso supone una pérdida de luz y un descontrol del enfoque para la cámara del móvil. Espero que ello no os impida disfrutar del excelente trabajo que han realizado.

https://youtu.be/01oLa_L5Cik

DIBUJAR Y PINTAR DEL NATURAL permite apreciar la subjetividad inherente a la práctica artística, una característica del arte que es fundamental en nuestra metodología de aprendizaje: aunque todos los alumnos se han enfrentado con lápices y pinturas a la misma realidad, todos lo han hecho con sus propios ojos, desde su propia voz. Y es que cualquier creación artística, incluso la más realista, es siempre una invención. Convertir en manchas y líneas trazadas en un papel una realidad volumétrica y sensorialmente compleja es siempre un acto de creación en el que se solapan la actividad de mirar con la de imaginar. Y, claro está, en este proceso amplio que se abre con la observación cuidadosa, actúa de forma determinante la sensibilidad individual de cada persona que afronta la creación.
Una niña de sólo cinco años lo explicó muy bien en clase. Ante la pregunta de por qué ha puesto tantos colores en la cola del pájaro que nos ha hecho de modelo, respondió con sencillez que porque es una cola muy bonita. El encanto que descubrió con la observación lo expresó en su dibujo con un recurso pictórico tan válido como cualquier otro.
El hermoso pájaro que nos ha visitado es un cernícalo americano hembra, el más pequeño de los falcónidos.

DIBUJAR Y PINTAR DEL NATURAL permite apreciar la subjetividad inherente a la práctica artística, una característica del arte que es fundamental en nuestra metodología de aprendizaje: aunque todos los alumnos se han enfrentado con lápices y pinturas a la misma realidad, todos lo han hecho con sus propios ojos, desde su propia voz. Y es que cualquier creación artística, incluso la más realista, es siempre una invención. Convertir en manchas y líneas trazadas en un papel una realidad volumétrica y sensorialmente compleja es siempre un acto de creación en el que se solapan la actividad de mirar con la de imaginar. Y, claro está, en este proceso amplio que se abre con la observación cuidadosa, actúa de forma determinante la sensibilidad individual de cada persona que afronta la creación.
Una niña de sólo cinco años lo explicó muy bien en clase. Ante la pregunta de por qué ha puesto tantos colores en la cola del pájaro que nos ha hecho de modelo, respondió con sencillez que porque es una cola muy bonita. El encanto que descubrió con la observación lo expresó en su dibujo con un recurso pictórico tan válido como cualquier otro.
El hermoso pájaro que nos ha visitado es un cernícalo americano hembra, el más pequeño de los falcónidos.

BESTIARIO
Los antiguos animales mitológicos, que durante siglos se han utilizado para expresar fascinación por las maravillas del mundo, nos han servido de inspiración para hacer toda esta colección de monstruos imaginados construidos con bolas de papel de periódico pegadas entre sí y encoladas.
Los más peques han guardado secretos en el interior de esos monstruos cargados de poder que, como los dragones de las leyendas, se han convertido en sus feroces guardianes.

BESTIARIO
Los antiguos animales mitológicos, que durante siglos se han utilizado para expresar fascinación por las maravillas del mundo, nos han servido de inspiración para hacer toda esta colección de monstruos imaginados construidos con bolas de papel de periódico pegadas entre sí y encoladas.
Los más peques han guardado secretos en el interior de esos monstruos cargados de poder que, como los dragones de las leyendas, se han convertido en sus feroces guardianes.

EDUCAR LA MIRADA
Wabi Sabi es un concepto estético que describe la belleza de lo imperfecto, lo fugaz, lo incompleto... Tiene en la cultura japonesa el mismo peso que para nosotros la belleza ideal y la perfección heredadas de la Grecia clásica.
El otoño es tal vez la estación que de forma más evidente evoca ideas de fugacidad. Por todas partes, en el campo o en cualquier rincón de la ciudad, es fácil ver hojas caídas de los árboles barridas por el viento.
Estas ideas están detrás de los trabajos de imaginARTE que nos han ocupado los últimos días.
Hojas arrugadas, casi consumidas, pero que en las que todavía se aprecian los nervios por los que circulaba su vida. Granadas abiertas, pequeñas, llenas de semillas amargas, diferentes de las de las que venden en las fruterías porque son el fruto de un árbol que ha conseguido vivir en medio de la basura, en un descampado que es en sí mismo un residuo de nuestra ciudad.
La belleza, en definitiva, de lo que casi siempre es insignificante, de lo que solo se descubre educando la mirada.

HACER E IMAGINAR

https://youtu.be/1yWfcekSSKY

Ambiente de trabajo en imaginARTE (Valladolid)

DIBUJO CON SOMBRAS, las que proyecta en la pared, para formar la imagen de una ciudad, una cuidadosa acumulación de basura manipulada y bien colocada por el grupo más pequeño de imaginARTE. Hay muchas formas de practicar el dibujo...

dibujo con objetos

DIBUJO CON OBJETOS, otra forma de dibujar para educar la creatividad en imaginARTE. Lo han hecho alumnos de entre 4 y 16 años.

https://youtu.be/wQtKLQjSQnY

Otra forma de dibujar. Lo han hecho alumnos entre 4 y 16 años, en imaginARTE, Valladolid.

FUNDIR LAS PINTURAS DE CERA con una plancha, es una forma diferente de relacionarse con un material conocido por todos los alumnos. Así hemos comenzado el nuevo curso en imaginARTE, experimentando con un proceso técnico que permita una relación distinta con las formas y los colores.
Hemos usado las ceras más blandas, las que siempre tenemos en clase, para crear superficies sorprendentes de color con formas incontrolables. Otras ceras más duras, de una marca que nunca usamos para pintar por lo mal que se mezclan y lo poco que ofrecen como materia y textura, nos han funcionado muy bien para controlar las formas que surgen del fundido usando plantillas de cartón. Así, gracias a este recurso técnico, hemos trabajado conceptos visuales como las formas en positivo y en negativo, o las rimas que surgen creando ritmos en el papel al utilizar las mismas formas, repetidas pero no exactamente iguales.
Con estos papeles manchados de color, y con los papeles que se han ensuciado protegiendo la plancha a la hora de fundir, los alumnos han podido emprender varios procesos de investigación creativa, desde esculturas de papel hasta técnicas mixtas de dibujo y collage.
Y, como de costumbre, hemos aprovechado para conocer el trabajo de algunos artistas, esta vez del enigmático y polémico pintor urbano Bansky, que utiliza la plantilla en sus pinturas de denuncia social, y también de las mujeres anónimas que durante siglos han cosido retales de tela para crear cuidadas composiciones en sus edredones.
Han hecho este trabajo alumnos desde los cuatro años hasta los adultos. Como la producción ha sido enorme sólo presento, y en varias publicaciones porque no caben en una sola, un trabajo por alumno, ordenados, más o menos, por edad ¡Qué difícil elegir!

FUNDIR LAS PINTURAS DE CERA con una plancha, es una forma diferente de relacionarse con un material conocido por todos los alumnos. Así hemos comenzado el nuevo curso en imaginARTE, experimentando con un proceso técnico que permita una relación distinta con las formas y los colores.
Hemos usado las ceras más blandas, las que siempre tenemos en clase, para crear superficies sorprendentes de color con formas incontrolables. Otras ceras más duras, de una marca que nunca usamos para pintar por lo mal que se mezclan y lo poco que ofrecen como materia y textura, nos han funcionado muy bien para controlar las formas que surgen del fundido usando plantillas de cartón. Así, gracias a este recurso técnico, hemos trabajado conceptos visuales como las formas en positivo y en negativo, o las rimas que surgen creando ritmos en el papel al utilizar las mismas formas, repetidas pero no exactamente iguales.
Con estos papeles manchados de color, y con los papeles que se han ensuciado protegiendo la plancha a la hora de fundir, los alumnos han podido emprender varios procesos de investigación creativa, desde esculturas de papel hasta técnicas mixtas de dibujo y collage.
Y, como de costumbre, hemos aprovechado para conocer el trabajo de algunos artistas, esta vez del enigmático y polémico pintor urbano Bansky, que utiliza la plantilla en sus pinturas de denuncia social, y también de las mujeres anónimas que durante siglos han cosido retales de tela para crear cuidadas composiciones en sus edredones.
Han hecho este trabajo alumnos desde los cuatro años hasta los adultos. Como la producción ha sido enorme sólo presento, y en varias publicaciones porque no caben en una sola, un trabajo por alumno, ordenados, más o menos, por edad ¡Qué difícil elegir!

HISTORIAS DE RETRATOS, segunda parte

En 1645 Velázquez pintó, en el retrato de Sebastián de Morra, una de las miradas más profundas e intensas de todos sus cuadros. No es de extrañar: para muchos especialistas Velázquez sigue siendo el mejor retratista de la historia (si es que eso puede decirse objetivamente de nadie). Sí que es peculiar, no obstante, el hecho de que esos magníficos ojos negros que nos miran con tanta verdad sean los de un pequeño enano. Don Sebastián de Morra era uno de los bufones de la corte española. Velázquez, también él cortesano, supo ver en su mirada, no a un pequeño bufón, sino a un ser humano que rebosa dignidad.
En 1657, el artista sevillano cumplió por última vez con su principal labor como pintor de cámara, pintar la imagen de su rey, Felipe IV. Fue la última vez que lo hizo. El monarca no se sentía a gusto con los retratos que le hacía Velázquez: eran tan certeros al observar su alma, que su cansancio y su derrota vital se hacían más evidentes que cualquier atisbo de majestad. Después de ése, no volvió a encargarle ninguno más.
El pincel de Velázquez ignoraba la condición social. Buscaba la cara escondida tras la máscara. Incluso el papa Inocencio X exclamó con disgusto Troppo vero! al verse en el retrato que le hizo el maestro.

Estas y otras historias nos han acompañado en el último proyecto de creación que han abordado todos los alumnos de imaginARTE. Cada uno de ellos se ha observado en el espejo con toda la sinceridad que ha podido, intentando, a diferencia de lo que hacemos habitualmente, no juzgar su aspecto, sino conocerse, aceptarse, descubrirse, con cariño si es posible o, al menos, con respeto.
Impresiona comparar el autorretrato de la alumna más joven (4 años) con la más mayor (70). Hay toda una vida entre medias.

Os deseo lo mejor para este verano. En septiembre, después de Ferias, volvemos a empezar.

HISTORIAS DE RETRATOS
En 1645 Velázquez pintó, en el retrato de Sebastián de Morra, una de las miradas más profundas e intensas de todos sus cuadros. No es de extrañar: para muchos especialistas Velázquez sigue siendo el mejor retratista de la historia (si es que eso puede decirse objetivamente de nadie). Sí que es peculiar, no obstante, el hecho de que esos magníficos ojos negros que nos miran con tanta verdad sean los de un pequeño enano. Don Sebastián de Morra era uno de los bufones de la corte española. Velázquez, también él cortesano, supo ver en su mirada, no a un pequeño bufón, sino a un ser humano que rebosa dignidad.
En 1657, el artista sevillano cumplió por última vez con su principal labor como pintor de cámara, pintar la imagen de su rey, Felipe IV. Fue la última vez que lo hizo. El monarca no se sentía a gusto con los retratos que le hacía Velázquez: eran tan certeros al observar su alma, que su cansancio y su derrota vital se hacían más evidentes que cualquier atisbo de majestad. Después de ése, no volvió a encargarle ninguno más.
El pincel de Velázquez ignoraba la condición social. Buscaba la cara escondida tras la máscara. Incluso el papa Inocencio X exclamó con disgusto Troppo vero! al verse en el retrato que le hizo el maestro.

Estas y otras historias nos han acompañado en el último proyecto de creación que han abordado todos los alumnos de imaginARTE. Cada uno de ellos se ha observado en el espejo con toda la sinceridad que ha podido, intentando, a diferencia de lo que hacemos habitualmente, no juzgar su aspecto, sino conocerse, aceptarse, descubrirse, con cariño si es posible o, al menos, con respeto.
Impresiona comparar el autorretrato de la alumna más joven (4 años) con la más mayor (70). Hay toda una vida entre medias.

Os deseo lo mejor para este verano. En septiembre, después de Ferias, volvemos a empezar.

temple al huevo

TEMPLE AL HUEVO
La pregunta sobre cómo pintaban los pintores cuando no había tiendas de pintura, ha motivado esta sesión de imaginARTE. De entre las posibles opciones hemos escogido la técnica del temple al huevo por lo que tiene de inmediata, y por la curiosidad de darle un uso muy distinto a algo tan cotidiano como es un huevo de gallina.

https://youtu.be/LElH2nxflRA

¿Cómo pintaban los pintores cuando no había tiendas de pintura?

EN EL FONDO DEL PISUERGA se probó el primer traje de buzo de la historia, el 2 de agosto de 1606: un hombre permaneció una hora sumergido en el río ante la mirada del rey Felipe III. El experimento fue todo un éxito para el inventor navarro Jerónimo de Ayanz.
Para commemorar el acontecimiento, los artistas Chucho Nieto y Gaspar Francés han realizado una preciosa pintura mural a orillas del Pisuerga. Para que la disfruteis, os pongo una foto y el enlace de un vídeo que muestra todo el proceso (https://www.youtube.com/watch?v=53ycEjG4DeU)

Con algunos alumnos de imaginARTE, entre 4 y 13 años, hemos aprovechado esta creación para sumergirnos también en el agua dibujada, explicar su movimiento con el uso de líneas y figuras transparentes.
Para presentar el trabajo a los más pequeños, cada uno ha tenido que convertirse en un personaje y así sumergirse mejor en el agua. Han triunfado las sirenas, claro, pero también hemos tenido un sireno, algunos buzos, un tiburón y una sorprendente ballena de melena rizada (la preciosa melena de la niña que la ha dibujado y que, como ella misma vio en el vídeo, también se parece a la del artista Chucho Nieto)

ASÍ SE HACE UN OJO, ASÍ LA NARIZ
Leonardo da Vinci recomendaba a sus discípulos que se esforzaran en memorizar las caras más extrañas y grotescas que vieran por la calle, para después poder dibujarlas. Este ejercicio tenía que ayudar a los pintores a superar la tendencia a dibujar el rostro humano con esquemas y estereotipos. El maestro florentino siempre criticaba a los pintores que hacían las figuras con caras parecidas entre sí, como si todos los personajes del cuadro fueran parientes, porque eso iba en contra de la diversidad que ofrece la naturaleza, a la que consideraba maestra fundamental de los artistas.
Preparándonos para hacer autorretratos, en imaginARTE hemos seguido este ilustre consejo, dibujando a partir de fotos muy variadas, para no caer en formulismos y rutinas a la hora de dibujar.
Después, jugando con la libertad de inventar caras extrañas, han ido saliendo estas divertidas caras reversibles, un tipo de ilustración que se publicó mucho a finales del siglo XIX.

TRAMPANTOJOS – TROMPE L’OEIL
Tradicionalmente, en el género de la naturaleza muerta se ha utilizado con frecuencia el recurso del trampantojo, el ilusionismo pictórico que engaña al ojo haciéndole ver una realidad que no existe.
Una leyenda de la antigua Grecia habla de un concurso entre dos pintores, Zeuxis y Parrasio, que identifica la calidad de su talento con la capacidad de engaño de sus cuadros. Zeuxis consiguió que los pájaros confundieran sus uvas pintadas con uvas reales. Parrasio ganó el concurso porque consiguió engañar a Zeuxis: cuando éste fue a correr la cortina que ocultaba el cuadro de su rival, descubrió que se trataba de una cortina pintada.
Con los alumnos mayores de imaginARTE (de diez a quince años) hemos visto ejemplos ilustres de trampantojos barrocos, ejemplos de virtuosismo técnico que entonces se leían con un mensaje moral, muy de la época, sobre lo ilusorias que son nuestra realidad y nuestras vidas. También hemos visto una versión contemporánea de trampantojo, de imágenes que fingen ser lo que no son: en la serie Constelaciones, del fotógrafo catalán Joan Fontcuberta, unos cielos nocturnos cuajados de estrellas resultan ser insectos chafados contra el parabrisas de un coche.
Y después, modestamente, nos hemos puesto a trabajar intentando que los objetos pintados parezcan estar al alcance de la mano.

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